13.3. Основные тенденции развития западного искусства : ИСТОРИЯ И КУЛЬТУРОЛОГИЯ - Шишкова Н. В. - Акулич Т. В. - Бойко М. И. - Власова А. М. - Дружба О. В. - Новиков А. Ю. - Рамих В. А. - Ушкалов В. А. : Книги по праву, правоведение

13.3. Основные тенденции развития западного искусства

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 
17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 
34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 
51 52 53 54 55 56 57 58 59 60 61 62 63 64 65 66 67 
68 69 70 71 72 73 74 75 76 77 78 79 80 81 82 83 84 
85 86 87 88 89 90 91 92 93 94 95 96 97 98 99 100 101 
102 103 104 105 106 107 108 109 110 111 112 113 114 115 116 117 118 
119 120 121 122 123 124 125 126 127 128 129 130 131 132 133 134 135 
136 137 138 139 140 141 
РЕКЛАМА
<

 

Новые открытия XX столетия в науке, приведшие к радикальным изменениям в общественном сознании, опрокинули каноны и нормы прежних традиционных представлений в искусстве. Ортега-и-Гассет назвал основными параметрами искусства XX в. дегуманизацию, отказ от изображения «живых форм», превращение творчества в игру, тяготение к иронии вместо метафизики, отказ от трансцендентальности (т.е. отказ признавать существование чего-либо, лежащего за пределами нашего опыта).

В начале XX в. перед молодыми художниками открылись широкие возможности поиска нового стиля. Это уже отличало ситуацию начала века от атмосферы прошлых лет. Период с 1905 по 1914 г. в истории искусства оказался крайне плодотворным: совершенно невозможно определить одним понятием все разнообразие стилей и направлений этого периода. Изменение становится движущей силой, обновление – основополагающей силой. Авангардистские эксперименты в живописи привели к разрыву с традиционными представлениями о красоте, цвете, пространстве. В поисках новых направлений и стилей художники все глубже погружаются в природу чувства, интеллекта и чистого разума. Одно из таких направлений, развивающее декоративные формы, названо Арт Нуво*. В результате рождается стиль, который необыкновенно быстро распространяется по Европе и Америке (1896–1910). В Германии он называется «югендстиль», в Италии – «жибертистиль», в Австрии – «сецессион-стиль»**. Вершины стиль Арт Нуво достигает в архитектуре и прикладных искусствах. Распространяется он также и на внутренний интерьер, вплоть до столовых приборов. Такие художники, как Мунк и Климт, создают образы, пронизанные символикой и напрямую не имеющие к реальности никакого отношения.

* Арт Нуво – от названия галереи, открытой в Париже Сэмюэлом Бингом и спроектированной Анри ван дер Вельде.

** По названию группы Sezession, которая заявила о разрыве с официальным искусством в Вене в 1897 г. Для него характерны извивающиеся линии; в декоре его арабески решительно порывают с традицией, создавая растительные мотивы, линеарные формы.

 

В литературе из этой концепции возник роман Гюисманса «Наоборот» (1884), в котором герой уединяется в своей квартире, окружая себя предметами, удовлетворяющими его изысканный вкус и стимулирующими в нем чувственные фантазии.

Ретроспективные выставки Гогена (1906) и Сезанна (1907) – двух главных представителей художественного авангарда XIX в. дали новый толчок художественным поискам. Одним из факторов, оказавших наибольшее влияние на художественный авангард XX в., было знакомство с искусством примитивных народов Африки и Океании. Пикассо и Брак положили начало, возможно, самому новаторскому и плодотворному художественному течению нашего века – кубизму*. Впервые кубизм шумно заявляет о себе картиной Пикассо «Авиньонские девушки», которая была признана скандальной. Краски агрессивны, грубы. Кубистическая живопись сознательно ориентируется на неофитов.

* Термин «кубизм» был впервые использован в отчете с парижской выставки (1911) группой художников, продолживших эксперименты Пикассо и Брака. Роберт Делоне, Фернан Леже и Марсель Дюшан принялись за глубокие эксперименты с цветом, надеясь достичь в своих картинах «чистого эстетичного наслаждения – орфизма» (Гийом Аполлинер).

 

Около 1910 г. в кубизме наступает этап «аналитического кубизма» : изображение перестает быть представлением, выражением, символом природы или человека, а становится самоценной вещью. На осеннем салоне (1905) Матисс, Дерен, Вламинк и др. решили выставить свои произведения в том же зале, где уже была выставлена скульптура, выполненная в академическом стиле. Этот контраст стилей и вызвал к жизни знаменитую фразу: «Донателло среди диких зверей» (fauves). Название «фовизм» было тотчас же подхвачено. На зов нового времени откликнулась и архитектура. Новое поколение архитекторов предлагает новаторские решения. Верх берет тенденция создать стиль, отражающий дух индустриальной эры*.

* Ллойд Райт, американский архитектор, в работе «Искусство и искусность механизма» провозгласил, что наступила эпоха, когда локомотив и пароход займут место произведений искусства. Культ машины радикально меняет эстетические статус новых материалов и как центральная тема творчества Л. Райта с готовностью был подхвачен в Европе.

 

Культ машины достигает своей кульминации в произведениях группы итальянских художников, объединившихся под знаменем футуризма*. Переняв приемы кубистов, футуристы воспевали динамику и грохот современного индустриального мира. Своим крайним анархизмом футуристы заложили основу возникновения дадаизма**, а их художественная программа перекликалась и с экспериментами русских авангардистов.

* В первом «Манифесте футуризма» (1909) Ф. Маринетти заявил, что мчащийся автомобиль производит на него большее впечатление, чем любая классическая скульптура, вроде Ники Самофракийской.

** Дадаизм (само название не имело смысла) родился в Швейцарии. Антивоенное, антинационалистическое, антиконформистское течение дадаизм было направлено против всего на свете, даже против себя. Румынский писатель Тристан Тциара пронизывал свои не поддающиеся пониманию песни криками и рыданиями.

 

Если Леже и Делоне подошли к самому порогу абстрактного искусства, то В. Кандинский, К. Малевич и П. Мондриан в своих произведениях используют язык живописи, который становится последовательно беспредметным, безобразным и бесформенным. В 1910 г. Кандинский пишет статью «О духовном в искусстве», где утверждает, что главная цель искусства – выражение внутреннего мира художника. Эти идеи разделяли Ф. Марк, А. Макке и П. Клее («Синий всадник»), которые искали спасения от грязи, алчности и материализма в мире чистого воображения [7].

Начало первой мировой войны (1914) обозначило конец этой эпохи. Интенсивная творческая атмосфера довоенных лет очень быстро рассеялась. Центром европейской художественной жизни становятся нейтральные страны Западной Европы. В области художественной культуры и архитектуры радикальные позиции, которые до войны идентифицировались с неприятием академизма, теперь все откровеннее отождествляются с политическим инакомыслием. Идеология, для которой прогрессивные идеи, моральное разложение и угроза революции были синонимами, привела в США к «сухому закону» (1920), а в Англии к запрету текста романа Г. Лоуренса «Любовник леди Чаттерлей» (1928).

В это время появляется новое течение – сюрреализм. Сюрреалистическое искусство пытается соединить сон и реальность в более широком «сюрреальном» пространстве. С этой целью его представители охотно прибегают к тревожным, пугающим, даже отталкивающим изображениям (например, запись истерического смеха пациентов психиатрической клиники, которым встречали посетителей сюрреалистической выставки в 1936 г., или эротические образы от мастурбации до оргазма в картинах Сальвадора Дали). Некоторые художники изображают предметы, между которыми нет никакой связи,– она существует лишь в подсознании, но скрупулезное изображение деталей придает сюрреалистическим картинам особую достоверность и нарочитую тревожность. Сюрреализм оказал огромное влияние на искусство последующих десятилетий, оставив ему в наследство оригинальный изобразительный язык.

Художественная панорама послевоенных лет (после первой мировой войны) удивительно разнообразна. Многие художники избегают политики, утверждая в своих работах основательность и надежность буржуазного образа жизни, умиротворяя и успокаивая зрителя.

В архитектуре этого периода получили развитие идеи Ле Корбюзье («Современный город» (1922)), которые были претворены в жизнь в ходе реконструкции европейских городов, пострадавших во время второй мировой войны. Еще до первой мировой войны возникла идея «интернационального стиля»*.

* Интернациональный стиль, предложенный В. Гропиусом, Ле Карбюзье и др., отражал их веру в создание нового, более справедливого общества. Термин был придуман Хичкоком и Джонсоном для каталога первой международной выставки современной архитектуре в Нью-Йорке.

 

Несмотря на историческое и культурное значение авангардистских направлений в архитектуре и искусстве, их удельный вес между двумя войнами был относительно невелик. В то же время зарождается стиль Art Deco*, который использует экзотическое очарование искусства неевропейских стран.

* Art Deco (от франц. Art decoratifs) – стиль, который нашел наибольшее применение в кинотеатрах, мюзик-холлах, танцзалах.

 

Революции и войны, пронизывающие весь XX век, оказали сильное влияние на мироощущение людей, оставили след в творениях искусства. Вторая мировая война также нашла свое отражение в искусстве. Впервые человек с такой силой ощутил ужас, сопутствующий массовому уничтожению, бессмысленной бойни, военной мясорубки. Экспрессионизм с его нервно-взвинченной стилистикой отвечал этому ужасу. В литературе «потерянное поколение» – дети войны – изображены в романах Э. Хемингуэя и Э.-М. Ремарка. В живописи это нашло отражение в экспрессивности «Герники» Пикассо, в музыке – в восьмой симфонии Шостаковича и «Уцелевшем из Варшавы» Шенберга. Такое в образное постижение мира могла внести только до глубины потрясенная душа. Взрыв атомных бомб над Хиросимой и Нагасаки показал, что музыка должна стать другой, чтобы выразить чувства обрушившегося на мир вселенского ужаса [8].

Именно вторая мировая война, по мнению некоторых исследователей, заставила художников по-новому осознать беспрецедентную силу документа*, который становился одной из эстетических доминант современного творчества.

* Следует иметь в виду, что хотя документализм был известен еще в 20-е годы (как искусство, основанное на документе), но тогда эстетику документализма связывали с эстетикой конструктивизма. Документализм, возникший после второй мировой войны, иной. Фашистские зверства были так страшны, что почти не требовали прикосновения искусства. Возникают документальные фильмы, документальные выставки и т.д.

 

С приходом Гитлера к власти многие ведущие представители европейского интеллектуального и художественного мира вынуждены были эмигрировать в Соединенные Штаты. На выставке, организованной в Нью-Йорке в 1951 г. Музеем современного искусства, был представлен целый веер стилей живописи и скульптуры. Критики называли это искусство абстрактным экспрессионизмом. В нем выделяются две тенденции: Action Painting (живопись действия) – Поллок, Де Кунинг, Клайн – и Color Field (цветовое поле) – Ротко, Нэйман и др. В Италии различные абстрактные течения возглавлял «Новый фронт искусств» (1945): Ведова, Сантомазо, Аккарди, Корнора, Туркато.

Реакцией на абстрактный экспрессионизм было возвращение некоторых художников к изображению реального мира (композиции Раушенберга). Произведения этих художников – «новых дадаистов» – непосредственно предшествуют рождению поп-арта – течения, возникшего в конце 50-х годов в обстановке процветающего американского общества потребления. Но оно имеет своих представителей и в Англии*, и в Италии (Скифано, Анжели, Феста).

* Возможно, первое произведение поп-арта принадлежало кисти британского художника. Во всяком случае, среди первых была картина Хамилтона «Что делает сегодня дома такими разными, такими привлекательными?».

 

Революции также вовлекли значительную часть творческой интеллигенции в сферу своего действия, определив стилистику их произведений (Б. Брехт, П. Неруда, В. Хара и др.).

Шестидесятые годы принесли миру разочарования, тревоги и беспокойства (война во Америки Вьетнаме, убийство Кеннеди, революционные выступления молодежи во Франции). Многие художники спасаются бегством в «минимализм» или «концептуальное» искусство*. Среди представителей «бедного искусства» – Мерцо, Фабро и др. Американские художники, такие как Хансон и Истес, создают гиперреалистические изображения (то же, что фотографический реализм) из жизни американского города.

* Парижская выставка французского художника И. Клейна представляла собой просту пустую галерею, выкрашенную в белый цвет. Андре выставляет на полу простые кирпичи. Кристо создает многочисленные вариации на тему «упаковки» предметов. Некоторые художники изобретают happening, т.е. событие, придав произведению искусства новый смысл – непосредственно выраженную мысль, идею художника. Единственное требование – оригинальность. В Италии это Паскали, Паолини, Коссуда, не говоря уже об экспериментах с разрезанными картинами фонтаны или с «мешками» Бурри.

 

Пять – десять лет назад современные музеи избегали каких-либо контактов с современным искусством. Сегодня это не так. Лондонская Королевская Академия в 1988 г. организовала большую выставку современного искусства. В Париже стеклянная пирамида И. Пеи была демонстративно введена в классический комплекс Лувровского дворца. В Европе и Соединенных Штатах каждый день открываются новые музеи и художественные галереи.

В XX в. научная и художественная картина мира поистине глобальна – она охватывает все эпохи, все века, все географические регионы. Поколебался европоцентристский статус художественной цивилизации (процесс ее мирового развития определяется не только Европой, но и культурами многих других регионов). Пришло осознание того, что в современной культуре нет периферии, что цивилизация становится планетарной. Но планетарность ведет не к стиранию национальных культур, а к их возрождению и расцвету (приобщение к художественным достижениям других культур позволяет другим народам на новом уровне осмыслить свое национальное богатство, а потому и свой вклад в мировую цивилизацию, мировую культуру).